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¿Qué pasa por la mente de Jessica Chastain mientras gira en el escenario? Además: el silencio de Ben Platt, el fantasma de “Fat Ham”, el baile del maíz “Shucked” y toda esa sangre “Sweeney”.

Sasha Arutyunova para The New York TimesCrédito...

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Por Michael Paulson

El teatro, en su mejor expresión, es una forma de magia: nos encanta, nos transforma y, a menudo, nos hace preguntarnos: "¿Cómo hacen eso?"

En Broadway, donde se pule la artesanía y se realza el espectáculo, hay mucho de qué maravillarse. Entonces, esta primavera, ahora que se estrenaron todas las obras de teatro y musicales de 2022-23, una vez más les pedimos a algunos de los programas nominados al Tony que nos permitieran echar un vistazo detrás del telón metafórico, explorando cómo se les ocurrió y lo lograron. algunas de las sensacionales puestas en escena que nos llamaron la atención esta temporada.

Advertencia: spoilers a continuación.

Una casa de muñecas

El espectáculo comienza antes de que comience. Veinte minutos antes de cada representación de “A Doll's House”, mientras los poseedores de entradas toman asiento en el Hudson Theatre, se levanta un telón para revelar a la estrella de la obra, Jessica Chastain, desplomada en una silla apilable Ercol de fresno, girando lentamente alrededor del escenario desnudo. escenario.

El preshow sin palabras –una gran estrella de Hollywood girando silenciosamente– nació de un impulso. El director de la reposición, Jamie Lloyd, había pensado durante mucho tiempo que quería restringir el movimiento de Chastain de alguna manera, como una metáfora visual de la forma en que su personaje, Nora Helmer, se siente estancada como mujer y esposa.

Una lectura temprana en el apartamento de Chastain plantó la semilla de la idea: ella hizo la lectura desde su sillón, lo que llevó a Lloyd paralizado a sugerir que considerara representar la obra de esa manera. Para su sorpresa, ella estuvo de acuerdo, y luego lo superó con una broma que se tornó seria: Quizás ya podría estar en la silla, como si Nora hubiera estado allí durante mucho tiempo, cuando llegara el público.

"Quería sentir como si hubiera estado sentada allí durante años", dijo, "y no hubiera despertado completamente a las posibilidades".

¿Y por qué gira? Lloyd dijo que ese concepto era fundamental para el diseño del programa. "Es una obra muy política, por eso se aguanta, pero también es muy psicológica, sobre alguien que se sale de control", dijo. "Hay algo desorientador en la experiencia que vive".

El sit-and-spin previo al espectáculo, concebido como una metáfora, también ha dado dividendos tangibles: ha evitado los aplausos de entrada y ha permitido a los fanáticos dejar de usar Instagram (se permiten fotografías hasta que comience el espectáculo).

"Todos tienen su momento de mirar a Jessica Chastain y tomar fotografías, y luego eso se disipa, así que al final del preshow ven a Nora", dijo Chastain. "Quiero que se deshagan del equipaje de celebridades que llevan consigo".

Es cierto que hay cierta incomodidad, y no sólo porque a Chastain le resulta incómoda la silla.

"Siento que no puedo esconderme: la gente puede filmar y tomar fotografías y ver cada parte de mí", dijo, "y eso me hace sentir como un objeto que están estudiando".

Mientras tanto, ella los está estudiando.

“En el momento en que comienza, empiezo a hacer contacto visual con la gente, realmente me conecto con ellos y, de hecho, les envío mensajes”, dijo.

En ocasiones, verá a alguien que reconoce o que intenta llamar su atención. Se esfuerza por no reaccionar, al menos no visiblemente. “No saludo, no cambio la posición de mi cuerpo y no sonrío”, dijo. “No hago cosas separadas de Nora, pero me conecto con ellas”.

“Me lleno con la energía que estoy recibiendo y al final del preshow estoy completamente abierta”, agregó. “Me siento tan abierto a la sala. Me siento tan abierto a las emociones que aparecen. Y creo que eso se debe a que todos estamos juntos en este viaje psicológico”.

Sweeney Todd

"He asesinado a muchísimas personas en Broadway", dijo Jeremy Chernick, antes de aclarar: "Asesinado falsamente".

Chernick es el diseñador de efectos especiales de “Sweeney Todd”, en la que el vengativo barbero interpretado por Josh Groban mata a un grupo de personas cuyos cuerpos luego su amada casera (Annaleigh Ashford) hornea para hacer pasteles.

Los horripilantes homicidios (la mayoría de las nueve muertes del programa son degolladas) brindan una serie de desafíos logísticos para cualquier equipo que presente este espectáculo clásico, que incluye canciones de Stephen Sondheim. Así los abordó el equipo creativo de esta producción.

La silla: Sweeney mata a sus clientes en una silla de barbero y luego arroja sus cuerpos por un conducto que conduce al horno de la pastelería. La escenógrafa de la reposición, Mimi Lien, dijo que su principal prioridad era la seguridad, porque en algunas producciones anteriores del musical clásico, los actores resultaron heridos al ser expulsados ​​de la silla.

Lien diseñó una silla victoriana de hierro fundido, tapizada en cuero sintético rojo sangre. Muchas de sus elecciones estéticas estuvieron impulsadas por preocupaciones funcionales: la tela tenía que ser suave y resbaladiza, para que los cuerpos se deslizaran fácilmente, y tanto la tela como los brazos de la silla tenían que ser simples (sin mechones, por ejemplo, ni cueros texturizados). ) para evitar crear oportunidades para que los disfraces se enganchen o se acumule sangre.

La silla tiene bisagras y palancas que le permiten aplanarse, como una camilla. Cada vez que matan a un cliente, Groban aplana la silla, la gira hasta colocarla en su lugar (el equipo creativo pensó que tirar el cuerpo se vería mejor de perfil) y la eleva a un ángulo de 45 grados, liberando al actor a través de una trampilla abierta. (Van con los pies por delante; Lien pensó que una maniobra con la cabeza por delante parecería más dramática, pero abandonó la idea por motivos de seguridad).

Los actores caen unos cuatro o cinco pies en un área acolchada, no visible para el público, donde hay miembros del equipo esperando para ayudarlos a salir del escenario y, si es necesario, quitarse los disfraces.

La sangre: Chernick eligió “Pigs Might Fly” de Nick Dudman, una sangre escénica lavable a base de azúcar. Chernick dijo que le gustó que la sangre fuera pegajosa, en lugar de resbaladiza, para reducir los peligros del escenario. "Una gran parte de mi trabajo es descubrir cómo continúa el espectáculo después de que haya sangre por todas partes", dijo.

Muchas producciones de “Sweeney Todd” han proporcionado al personaje principal una hoja de afeitar que chorrea sangre, pero, dijo Chernick, “el público moderno quiere más sangre de la que cabe en una hoja de afeitar”, por lo que optó por construir un vaso sanguíneo. en las capas de barbero que usan los clientes, y los actores provocan el chorro de sangre cuando sus personajes mueren. Cada muerte requiere aproximadamente el volumen de sangre de una pelota de tenis, dijo Chernick; Las capas de los clientes se rocían con agua para que la sangre penetre más eficazmente.

"Trabajamos en la cantidad a través de avances", dijo Chernick, "para enhebrar la aguja entre lo que genera una reacción de la audiencia y lo que distrae y es asqueroso".

La limpieza: Una vez que los actores salen del escenario, se les quita la ropa ensangrentada y se los lleva a una lavandería en el sótano del teatro. Hay tres lavadoras, tres secadoras, un lavabo y tinas donde se remojan las prendas de algodón (la sangre sale más fácilmente de las prendas de poliéster). Parte de la ropa se limpia con una manguera tan pronto como se desprende del cuerpo del artista. Hay repuestos para dos días de espectáculo.

"He hecho muchos, muchos espectáculos de Broadway, pero este es el primer espectáculo que trata sobre sangre a esta escala", dijo Jesse Galván, el supervisor de vestuario. "Crea algunos desafíos: salpicaduras de sangre, por lo que siempre estamos atentos a la sangre en los disfraces en lugares aleatorios".

Groban, la estrella del programa, dijo que los efectos son clave para que el programa funcione.

"Es una reacción increíble cuando la gente ve que se produce una silla por primera vez o que sale sangre por primera vez", dijo. “Y es muy divertido para mí. Mis manos hacen esas cosas oscuras y retorcidas mientras el canto es bastante romántico, y creo que ese es el problema que Sondheim tenía en mente”.

Desfile

"Culpable. Culpable. Culpable."

Cuando termina el primer acto de “Parade”, el personaje principal, un empresario judío llamado Leo Frank, es condenado por matar a una joven. Es el año 1913 en Georgia; el caso se ha visto sesgado por el antisemitismo y Frank es condenado a muerte en la horca.

Entonces es el intermedio.

Ben Platt, que interpreta a Frank, permanece en el escenario. Se quita la ropa y se pone un uniforme de prisión. Y durante unos 15 minutos, se sienta como en una celda, encima de una plataforma de 13 por 13 pies en el centro del escenario, en silencio.

"Hay tanto terreno que cubrir en el programa, que no hay tiempo para pensar en la verdad literal de que este hombre tuvo que pasar el final de su vida en aislamiento", dijo Platt. "Y para mí, no importa lo que esté sucediendo emocionalmente, este siempre es un momento dentro del programa que sólo se dedica a pensar en eso".

La presencia muda de Platt durante el intermedio (un período de tiempo en el que transcurren dos años) se ha convertido en uno de los elementos más comentados del espectáculo, en parte porque se siente como una hazaña de concentración y en parte porque puede ser fotografiado. por lo que termina en TikTok y otras redes sociales.

“Parade” se basa en la historia, y esta puesta en escena fue idea del director del revival, Michael Arden.

“Fue simplemente una extraña corazonada de un sueño febril que tuve: esta imagen de Ben sentado en el escenario, atrapado en lo que sería su horca”, dijo Arden. “Quería desafiar a la audiencia, cuando están tomando un cóctel o enviando mensajes de texto a sus amigos o hablando sobre lo que van a cenar, a mirar hacia atrás y ver a Ben en el escenario, y tener la sensación de que mientras el mundo giraba, Este hombre estaba sentado en una celda de prisión”.

Algunos clientes se sientan tranquilamente en sus asientos, como si vigilaran al personaje; Muchos se levantan para tomar fotografías y algunos han intentado llamar la atención de Platt.

"Hay momentos en que alguien dice 'Ben, te daré $100 si te das la vuelta' o 'Ben, te amo', pero es algo poco común y la gente generalmente capta la indirecta", dijo Platt. "Trato de disociarme, para no estar seguro de lo que están haciendo".

Platt dijo que, cuando se le ocurrió la idea por primera vez, tenía muchas preguntas. ¿Alguien le traería agua? (Sí.) ¿Tendría que quedarse quieto? (No, a veces se acuesta en un banco). El resto dependía de él.

"Hay días en los que puedo permanecer completamente inmerso en la historia y soy Leo y me siento estancado, y hay días en los que estoy fatigado y tengo que concentrarme en superar ese período", dijo. . “Pero la manifestación física es siempre al mismo tiempo: me siento ahí conmigo mismo”.

Descascarado

Sarah O'Gleby, aturdida por el sueño porque está criando a un niño pequeño, se despertó con una de esas chispas que pueden ser demenciales o inspiradoras: recordó esa escena de la película de Charlie Chaplin de 1925, "La fiebre del oro", en la que el comediante apuñala dos panecillos con tenedores y los utiliza para realizar una rutina de mesa.

O'Gleby, la coreógrafa de “Shucked”, se había sentido insatisfecha con el número de apertura de su musical, que no tenía la vibra de ir a todo riesgo de la estrafalaria producción de música country más chistes de maíz que siguió. Las payasadas de Chaplin la hicieron pensar.

“Se me vino a la cabeza: me pregunto si hay algo que podamos hacer con las mazorcas de maíz”, dijo. “Así que llevé a un grupo de bailarines a una sala para tocar, y cuando vi una pared de actores haciendo una patada de Rockette con mazorcas de maíz, me hizo reír; me pareció tonto y ridículo y me hizo sonreír”.

Así nació la línea de maíz del programa. Y sí, es una línea de maíz: 14 actores, sosteniendo 28 mazorcas de maíz, alineados en el borde del escenario, haciendo que esas mazorcas bailen sobre tablas de ceniza secada al horno.

Entrenar a los artistas, la mayoría de los cuales no son bailarines, tomó tiempo: la rutina combina elementos de vodevil, tap y percusión. “Fue lo primero que le enseñamos al elenco cuando empezamos a ensayar para Broadway, y muchos de ellos dijeron: '¿Qué es esto?'”, dijo. “Dije: 'Vamos: ¡corazones abiertos y mentes abiertas!' Tuvimos que avanzar muy lentamente para que alcanzaran la velocidad que tienen ahora”.

Diseñar las mazorcas (lo siento, son sintéticas) también resultó un desafío. Los de plástico que el programa probó por primera vez se rompieron después de algunos usos, por lo que el equipo de utilería fabricó mazorcas amarillas sin cáscara de 9 pulgadas a partir de una resina resistente a los impactos que podría sobrevivir a ocho espectáculos por semana. Las mazorcas son pesadas para asegurar un sonido de percusión, y los diseñadores del espectáculo incorporaron grandes bolsillos en los disfraces para guardarlas.

El kickline de 20 segundos se ha convertido en una firma del programa, ayudando a establecer su tono lúdico, lleno de juegos de palabras y con temática de maíz.

"Estamos tratando de decirle a la audiencia: 'Este es el tipo de noche que te espera'", dijo O'Gleby. "Va a ser ligero y boyante, y vamos a pasar un tiempo maravilloso juntos, y esperamos que ustedes la pasen muy bien con nosotros".

Jamón Gordo

"Hamlet" está llena de personajes famosos. Uno de ellos está muerto.

El fantasma del padre del personaje principal juega un papel clave a la hora de estimular la acción de la obra de Shakespeare, y lo mismo ocurre en “Fat Ham”, la versión del clásico ganador del Pulitzer de James Ijames, ahora trasladada al patio trasero de una casa en Carolina del Norte. familia que regenta un asador.

El director de la nueva obra, Saheem Ali, dijo que supo tan pronto como leyó el guión que quería encontrar una manera de hacer un guiño a Shakespeare, pero también de reconocer el tono irreverente de "Fat Ham".

"En 'Hamlet', el fantasma suele dar mucho miedo; hay que sentir el impacto de lo sobrenatural, pero estamos en una comedia, por lo que también necesita ligereza", dijo. "Es un fantasma con un guiño".

¿Y cómo encontrar a alguien que pueda ayudar a conjurar lo sobrenatural? Ali recurrió, como era de esperar, al equipo detrás de "Harry Potter and the Cursed Child", una obra llena de magia escénica, y encontró a Skylar Fox, quien supervisa la magia de las producciones estadounidenses de "Cursed Child", y que ahora también maneja las ilusiones. diseño para “Fat Ham”.

"Los fantasmas aparecen mucho al hacer magia para el teatro, y yo lo he hecho varias veces", dijo Fox. "A medida que el público se vuelve cada vez más inteligente acerca de cómo funciona el mundo, es cada vez más difícil sorprenderlos, pero eso es lo que hace que intentar hacerlo sea emocionante".

El fantasma de “Fat Ham” (se llama Pap) aparece tres veces, emitiendo un vapor que le da una especie de extraterrestre espectral, pero también lo conecta con el ahumado de carne que era su medio de vida.

El guión de Ijames dice que la primera vez que aparece el fantasma, tiene un disfraz de fantasma clásico: "una sábana con agujeros para los ojos recortados". Pero Ali y Fox hicieron un pequeño ajuste: para esa primera aparición, el fantasma no está cubierto con una sábana, sino con un mantel de cuadros rojos, del tipo que se puede encontrar en una barbacoa.

La segunda vez que aparece el fantasma, emerge de una caja de artículos para fiestas y la tercera vez, sale de la parrilla.

“Para momentos tan tontos, se pensó mucho en el por qué”, dijo Fox. "Esta es una casa que es a la vez familiar y alienante, y hay un trauma residual en todo, pero lo abordamos con un poco de cabeza ladeada y un toque ligero".

Los vídeos de arriba de Jessica Chastain se capturaron a una velocidad de fotogramas más lenta.

Michael Paulson es el reportero de teatro. Anteriormente cubrió religión y formó parte del equipo del Boston Globe cuya cobertura del abuso sexual del clero en la Iglesia Católica ganó el Premio Pulitzer al Servicio Público. Más sobre Michael Paulson

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